Es importante señalar que el gran legado del artista es la combinación de géneros, al punto de que crea un lenguaje narrativo transgresivo que ha sido poco entendido en el arte chileno y que aquí denominaré “grabado performativo”. A inicios de la década de los 60, se hablaba de las performances gráficas, término acuñado por el artista Dick Higgins: un concepto ampliado de desplazamiento del grabado tradicional hacia otros campos del arte (Barnal, 2014). Un ejemplo de este grabado “ampliado” es el que realizó el artista uruguayo Luis Canmitzer quien, tras una crisis creativa se replantea los formatos más convencionales del grabado desplazándolo a un lugar no común y saliéndose de la imagen serializada en pos de un objeto más conceptual².

Copello, quien fue alumno y amigo de Luis Camnitzer, crea rápidamente nuevos gestos artísticos donde la base formal, estética y conceptual es su cuerpo del que dispone como una extensión de sí mismo en sus dispositivos visuales. En varios de estos trabajos, como Torso (1967), The Printer y en los collages realizados con las fotografías de Calendario (1974), es posible ver fotografías de sus acciones, que además dialogan con elementos autobiográficos, como viajes, ideologías, imágenes de sus parejas, etc. En palabras del artista, que repitió en incontables ocasiones: “Mi cuerpo es mi arte”.

Particular es la relación del artista con cada uno de los formatos. Así como realizó grabado tradicional, collage y performance, los que logró aunar y expresar de diferentes maneras, así también podríamos hablar de su “collage-grabado performático”. En su obra nos enfrentamos a una experimentación con cierto tipo de precariedad; una solución a su andar errático y constantes viajes. La precariedad de los materiales, podría tener que ver con el uso de su propia representación, la representación de su cuerpo e historia, del mismo modo que con el re-uso (la reutilización, el reciclaje) en toda su obra; lo que se podría relacionar con el arte povera que se inicia en Italia. Como resultado de ser inmigrante y autoexiliado ―vivió por más de 30 años entre Estados Unidos e Italia―, sus puestas fueron marginales y fuera del borde. Lo que le permite entregar un testimonio bastante certero de la época histórica que le tocó transitar, observar y en la que participó. Es decir, lo que hace Copello es un registro creativo multidisciplinario que en perspectiva sirve para comprender aspectos inéditos y ocultos de esta misma historia. Su discurso se basa en el deseo de retratar la parte oscura del alma humana, esa que siempre queda al margen. Porción marginada que a través de la mezcla entre lo estático y lo dinámico es liberada de represiones y es confrontada con ese no-lugar donde habita el arte que vive del dolor, la tragedia, la sexualidad y la muerte.

El grabado Torso (1971) podría tratarse del inicio de lo que hemos llamado el grabado performativo. Copello usa sus propias fotografías del paisaje, en este caso, nubes; lo que nos remite a la proyección del infinito dentro del finito (el cuerpo): el torso que representa su propio dolor y cuerpo, sugiere el cielo y el espacio ilimitado. Conjuga, pues, la idea de los límites y lo infinito. Convive con el arte clásico y la vanguardia. El Torso, estaría presente en todas las obras que realiza a lo largo de su trayectoria artística: su última edición data del año 2002. Este grabado se puede asociar a su performance La última cena. Gracias a algunas fuentes y registros de archivos, sabemos que Francisco Copello, realizó la primera performance, La última cena, el año 1971, inspirada en la obra del artista italiano Leonardo da Vinci, que fue presentada en el loft del artista St. Tribeca. Fue fotografiada por el fallecido artista Fernando Torm. Sin embargo, como podemos comprobar en varias publicaciones, la obra no aparece en la historia del arte chileno, no está incluida. Copello también representa una parte de su mismo cuerpo, su torso, donde además hace una referencia a lo clásico y religioso, al evocar las esculturas griegas, pero usando dispositivos modernos que crean una nueva manera de ver el arte; de la misma manera que la fotografía para sus performances. En ese sentido es que ambas disciplinas dialogan y crean lo que es una ampliación del grabado o un grabado ampliado. El grabado es ahora como el video o la fotografía: se pueden reproducir infinitamente.

Otra obra fundacional sería, sin lugar a dudas, Calendario (1974). Para este proyecto, el autor utiliza relatos autobiográficos, en donde aparece su relación con la familia, el país, el viaje, entre otros temas. El que registró las primeras acciones fue el fotógrafo Luis Poirot; luego, en Estados Unidos, Antonio de Wren, de quien no tenemos mayores antecedentes. Copello explora y desarrolla, a través de estas performances biográficas, la idea de un calendario performático, el cual con el tiempo, reutiliza en diversas obras, transformándolo en collages, grabados y pinturas. Allí podemos apreciar su noción/idea de lo que es su propio cuerpo y de lo que entiende por el paisaje, el viaje, la historia e identidad, temáticas que perviven en toda su producción.

The Printer, es una obra musical performativa que Copello escribió, por lo que se deduce del escrito, el año 1973, antes del golpe militar y antes de que el artista viniera a Chile a ensayar su performance Pieza para Locos. Este catálogo, manifiesta claramente la noción del performance del grabado, pues se trata de una extensión de sus ideas de artista y de una clara expresión de la biografía, anhelos y miedos, desplazados al teatro, la música y el grabado, en formato de libro/catálogo; una fusión que es muestra de la complejidad de su obra. Con esta obra, se revela la posibilidad de expresión del grabado en formatos no tradicionales, tal como se venía decontruyendo en la época.